论美术中“六大要素”的辩证关系

李维世

经过50多年的理论学习和创作实践，我现在认识到：美术中有“六大要素”——形、神、色、法、意、美。正确认识这“六大要素”的内涵及其辩证关系，对如何搞好美术，很有必要与好处。换言之，这“六大要素”无论对国画、油画、版画、水彩、水粉、雕塑，都是适用的。下面逐条予以说明与论述。

第一是“形”

任何事物都有“形”，物种不同，形就不同，反之，形不同，物种也就不同。美术中的“形”，是指美术家所要描绘的对象的形体结构。包括外形、内在质量（质地），占据空间的量感（长、宽、高、体积、重量、质感等等）。美术家从事任何画种，都要把握好形体结构，做到“形体准确”。通俗点讲，画人要像人，不能像猴子；画张三要像张三，不能画成李四；画山要像山，不能画成馒头；画梅花要像梅花，不能画成桃花；画树要像树，不能画成铁丝网；画水要像水，不能画成陆地……。每一种物种都有自己独特的“相貌”、“个性”、“特点”，画家要画某种“客观物象”，就要画出对象的本质特点、个性、相貌。因此可以说：“形”是一切绘画的基础。在美术中，“形”包括构图、外轮廓、形体、结构、光影、虚实、明暗、前后、大小等等。画素描首先要解决“形”的问题。有人说：中央美术学院的素描叫“形体结构素描”，浙江美术学院的素描叫“光影素描”，其实，这二种素描是完全统一的，形体结构不同，它的光影也就不同，大个子的人的光影长，小个子的人的光影就短。中央美术学院附中在“文化大革命”前为什么培养了那么多闻名全国的优秀画家？因为那个时期，他们扎扎实实地画了许多写实性的素描，打下了坚实地基本功，以后无论画什么画种，都能得心应手。基础越深厚，越扎实，“上层建筑”才能越高大，越坚实。这叫“根深叶茂”，根浅不可能叶茂。现在有些人企图否定“形”的重要性，否定基本功的学习，否定素描训练，是不正确的。（如南京师大博士生导师、中华美学学会常务副会长滕守尧教授在《美术》2006年4期上公开说：“一幅中国画一旦有了创造的痕迹，在形似上下功夫，便失去了天真和自然的意趣”）。500万元一瓶的高级口红，如果不抹到口唇上，而是抹到鼻子上或额头上也不好看，这么高级的口红，如果在口唇上抹得不准确、抹得太大或太小，超出口唇的形体，也不好看；反之，一瓶五角钱的口红，如果抹到嘴唇的正确位置上也不会难看，由此可见，形是第一位的，形是基础。坚持这个观点就是坚持唯物主义。在哲学上，这叫“客观存在”决定“主观意识”，主观意识要服从客观存在。

当然我们不能停留在“唯物主义”阶段，我们的唯物不是旧唯物主义，也不是机械唯物主义，而是辩证的唯物主义。正因为如此，齐白石才讲“太似为媚俗，不似为欺世，妙在似与不似之间”。

一方面，我们要坚持“形”：以形传神、以形绘色、以形达意。另一方面，我们又不能停留在僵死的“形”上（既“太似”上），还应大胆地取舍、想象、增删、补充、夸张，甚至幻想上，从而达到更形似、即更本质的形似上。不懂得这一点，就成不了优秀的画家，更成不了大师级的画家。从哲学上讲，这叫“辩证唯物主义”，也叫“发挥主观能动性”。我们坚持写实主义，但不搞自然主义，写实不是目的，写实只是手段。

第二是“神”

所谓“神”，就是神态，精神面貌、气质、心理状态，甚至包括思想内涵。在人物画中“神”十分重要，它是人物画的关健，是人物画的灵魂，是人物画的核心。作画“形易而神难”，画形不是目的，画形只是手段、方法、桥梁，画形的根本目的是为了“以形传神”、“以形达意”。但是“神”又离不开“形”，世上没有空洞、抽象的“神”，一定的“神”必须通过一定的形才能表达出来，哭有哭的形，笑有笑的形，大喜悦有大喜悦的表现，大悲伤有大悲伤的表现，这种表现不管多么含蓄、多么内在，总要通过外在的形体和动态才能表现出来。总之，形与神是一对辩证关系，谁也脱离不开谁，“形”是外在形式，“神”是内在本质，“形”是躯体，神是“灵魂”，没有没有躯体的灵魂也没有没有灵魂的躯体，没有灵魂的躯体，如同“植物人”一样，虽生如死，意义不大。

画人物画最重要的是神态，它是人物画的核心与关键，但是我们还要进一步明白，神态有美的神态和丑的神态；有让人喜爱的神态和让人恐怖和反感的神态。作为美术家，必须表现美的神态，给人以美感享受。丑的神态不是不可表现，但要作为“反面形象”加以描绘，以衬托美的神态，没有丑就没有美，坏人越坏，正面人物形象才会越突出，这也是艺术中的辩证法。从美术理论的角度讲，叫作“没有对比就没有艺术”；没有黑就没有白；没有虚就没有实；没有小就没有大；没有次就没有主；没有静就没有动；没有湿就没有干；没有整体就没有局部；没有错误就没有正确；没有失败就没有成功……，正确认识和处理这些辩证关系，对提高绘画技巧，增强艺术表现力很有好处。

山水画、花鸟画、风景画、静物画中有没有“神”的问题呢？我的回答是肯定的，这些画种也要讲究“神态”，不过不像人物画那样直接、明显罢了。这些画种中，也要讲究“气韵生动”、讲究“情趣”、“意境”、诗情画意。画家画山水画，画风景画，画静物画要讲究气势、格调、品位、韵律、美感。

第三是“色”

人类社会和自然界充满色彩，色彩变化无穷、丰富多彩，作为表现人类社会和自然界的艺术，当然不能没有色彩。一般而言，彩色照片总比黑白照片更受大众欢迎，彩色电影总比黑白电影有进步。这是不言而喻的真理与事实。因此，搞任何画种，不可不讲色彩，色彩不对、色彩错误，都会影响艺术的美感。不同的物体有不同的色彩，时间地点不同，色彩也不相同，黑人有黑人的色彩，白人有白人的色彩；春天有春天的色彩，秋天有秋天的色彩；南方有南方的色彩，北方有北方的色彩，作为画家要认真观察了解不同地点、不同时间、不同对象的色彩，尽量作到色彩准确、微妙、含蓄、典雅，尽量避免“灰、脏、乱、燥”。许多高明的油画家都曾讲到：“色彩贵在微妙”，要以色塑形、以色抒情、以色传神、以色感人。

在色彩中，有几个概念需要画家搞清楚，一是“色相”，就是颜色的相貌、种类。二是色度，就是颜色的深浅、明暗程度，同一数量的色彩加黑就深，加白就浅。三是“色性”，就是颜色的冷暖程度，四是“色调”，就是画面颜色呈现出来的整体“调子”，“调子”从冷暖上讲，有冷调子，有暖调子；从明暗深浅上来讲，有暗调子、亮调子、中间调子；从色相来讲，有红调子、绿调子、蓝调子、黄调子、紫调子、橙调子等等。五是“对比色”和“邻近色”。红和绿、橙和蓝、黄和紫、黑和白是对比色，一般而言，对比色不能一半对一半的使用，一定要改变其中一种的面积大小才会优美。“万绿丛中一点红”是美的，但一半红一半绿放在一起就不美了。在色彩表中，邻近色放在一起就比较协调，例如画绿色的树，不能只用绿色，可用点相邻的黄色与蓝色，画面就会又丰富又漂亮。六是色彩的纯度和饱和度。同一种颜色，加上别的颜色就不纯了，加得越多不纯，为了让局部颜色提高表现力，必须保持颜色的纯度（也可叫饱和度），表现派和野兽派的画面，在用色上纯度较高，因而画面响亮、穿透力强。

色和形，色和神的关系非常密切，谁也脱离不开谁。谁如果把“口红”变成黑色、或白色、或绿色，即使抹到嘴唇上抹的很准确也不会给人美感。一个少女如果“面黄肌瘦”，肯定不美；一棵树，树叶的颜色在春天变成枯萎的褐色或黑色，肯定不美，健康的人有健康的面色，患大病的人有相应的色彩，高明的大夫通过看你的舌苔和肤色就能诊断你的病情。色不同，神就不同，结果也不相同；色与形也是紧密相连的。一个农作物，如果只有一个叶子变黄，不足为怪，不一定生病，如果整棵植株都变黄枯萎那就有大问题了，同样的道理，在用色上要讲究量的多少、比例，要尽量作到准确无误、微妙含蓄。

第四是“法”

“法”就是方法、技术、技巧、技法。办任何事都要讲究方法，无法则不达。苏东坡讲：“寄妙理于豪放之外，出新意于法度之中”，要想创新，要有新意必须讲法度，必须在法度之中，搞任何绘画必须有一定的基本功、基本方法，不能胡来。老百姓常说：“难者不会，会者不难”，会者就是掌握方法的人，掌握了宇航技术，人类就能遨游太空，登上月球。如果不会游泳，掉到水里就会丧命；会开汽车，汽车就为主人效力，不会开汽车，汽车就会变成“马路杀手”。由此可见，方法十分重要。不同的艺术门类有不同的方法，有不同的基本功，想进入艺术殿堂的人，不可不钻研各自的基本功、基本方法。

以画油画和水粉为例，有以下方法，原则上要遵从：先整体后局部、先远后近、先湿后干、先暗部后亮部……，这是一般规律，但不是绝对不变的。高明的画家也可以先局部后整体、先画近景再画远景、先画亮部后画暗部、先干后湿。我曾亲眼见到蒋兆和先生画人像，先从一个眼睛开始，再画另一个眼睛，然后画鼻子、嘴、头、脖子、上半身、下半身，画得相当精彩，这叫“无法之法，乃为至法”。人们开始学画，没有方法，经过一段时间的训练，掌握了方法，最后又达到更加灵活自由的“无法”境界，这就叫作“熟能生巧、巧能生华”，“华”就是“华彩”，就是高度的自由、高度的灵活、高度的大胆。如果一个人连游泳也不会，想表演“水上芭蕾”，那是不可能的；想在“水上芭蕾”比赛中当冠军，必须首先有高度熟练的游泳技术。自由是对必然的认识，你对必然规律驾熟就轻，就会在自由王国中演示出各种美的华章。

美术的创作手法主要有写实主义、超级写实主义、浪漫主义、表现主义、抽象主义、抒情写意等。以徐悲鸿为代表的“诗意写实主义”和以林凤眠为代表的“抒情表现主义”，实质上有许多共同点，可谓“殊途同归”，共同构成中国绘画的写意精神多元互补的表现格局。

各个画种都有许多具体的技法技巧，限于篇幅，不一一说明了。谁想成为某一画种的专家，不可不研究具体艺术门类的技法技巧，这是过河的“桥”和“船”。

第五是“意”

“意”就是心意、意图、意思、意蕴、含义、情意、哲理、思想性，也指立意、用意、主意、意象、意趣。“意”包括四个方面的含义，一是指画家本身之意，包括画家的构思、取景、思想、笔墨的应用、情节的安排、细节的描绘、画眼的设计，不但要画其所见，还要画所知、所想、所思，发挥艺术家想象的能力，总之在作画之前，心中要作到“胸有成竹”、“意在笔先”。二是所画对象的本体之意，即审美客体之意，画家无论画什么都要合于自然的意趣和规律，不能违背自然的意思。例如水始终是水平的，不能画成倾斜的；水在无外力的条件下，只能从高处往低处流，不可能从低处往高处流。大雁能在天上飞，猪不可能在天上走。三、画上之意，即审美主体与审美客体达到统一的效果。有时画家想得挺好，但由于修养不够，笔墨功夫不到，达不到预想的目的，只有二者统一，才能实现“画尽意在”。为了“达意”，画家必须积累生活，提高文化修养，锤炼技艺，提高品位，才能“以少胜多，以小喻大，由此及彼，以个别表现一般，以单纯表现丰富，以有限表现无限”。四、“意”还包含“写意”的手法，就是不求“太似”，而求“似与不似之间”，注重形式美，张扬个性，也就是古人所说的“笔简而意足”、“意到笔不到”、“离形得似”、“笔不周而意周”、“笔尽而意无穷”。

总之，“意”就是艺术家的主观精神，对祖国的爱、对人民的情，就是艺术家的思想和情感。在绘画理论中多指诗意、意境、情趣。画以“意”为主，也就是要以思想内容为主，充分发挥画家主观的“思”和“情”，创作出气韵生动、意味深厚的作品。作画必先立意，意奇则奇、意高则高、意远则远、意深则深、意古则古，庸则庸，俗则俗矣。“意”既是一种精神，又是一种画法，重“意”就是要崇尚个性，简化形式，言简而意深。表达方式上要含蓄而不外露，温和而不走极端。“意”包括艺术家的“情”，但是，“情”必须和“理”相统一，违背“理”的情是动物性的情，甚至是犯法的情。所以表现“情”，必须“合情合理”、“通情达理”，从一定意义上讲“理”比“情”更重要，“理”要溶化到“情”中，二者要水乳交融，不可分离。

早在2001年6月，我就提出了画画的十要：一要画美感；二要画诗情画意；三要画艺术意蕴；四要画思想情感；五要画风格，要画个性；六要画时代精神；七要画民族精神和民族气魄；八要画哲理；九要画极致；十要画质量，要画精品。这“十要”是从战略角度谈如何画好画的问题，非常重要，一百年后也不会过时。

形、神、色、法，都要为“意”服务，都要服从“意”的表达，另一方面，“意”的表达也不能脱离形、神、色、法，这四大要素。这二个方面是相互联系、相互影响、相互作用的，在一定条件，也会相互转化：“意”不同，则“形”不同；“意”不同，则“神”不同；“色”不同，“法”亦不同，反之形、神、色、法不同，则“意”不同。

第六是“美”

美是艺术的核心，美是艺术的灵魂，美是艺术的“上帝”，美是艺术的最高法律。美术就是美的技术，美术首先要给人以美感，给人美的享受。形、神、色、法、意都要服从于美，都要服务于美，美是至高无上的，是艺术的特点，是最后的落脚点。“意”很重要，但“意”也要美。有各种各样的“意”，美术中就要表现美的“意”，丑的“意”不是不可以表现，但要批判丑的“意”，揭露丑的“意”，让人们与“丑”的“意”划清界线。古人讲得好：“勿以恶小而为之，勿以善小而不为”。

美有内在的美、外在美、表面的美、本质的美，有小美，也有大美。高明的艺术家应着重揭示和赞美内在的美、本质的美、大美。

美有苍美、逸美、奇美、圆美、静美、淡美、远美等类别。所谓苍美就是苍润、苍劲、苍茫；所谓逸美就是自然天成、无拘无束、潇洒飘逸的美；所谓奇美就是出人意外、出奇制胜、变幻莫测的美；所谓圆美就是圆满完整的美，还有残缺的美；所谓静美，就是静谧、虚明的美；所谓淡美，就是淡雅之美；所谓远美，就是咫尺千里、极目平远的美……。美的种类是相当丰富多彩的，取之不尽、用之不完，需要艺术家们去挖掘、去表现。

古人在表现美的方面，有许多成功的经验，如：“宁拙勿巧，宁丑勿媚，宁支离勿轻滑，宁直率勿安排”，很值得我们借鉴继承。

在讲美的重要性的时候，我们又不能滑向唯美主义，不能单纯讲美，而忽略真和善，应实现“真善美”的高度统一。

总而言之，形、神、色、法、意、美，这六大要素在美术中各有各的内涵，但又是统一的，是互相联系、互相影响、互相作用、互相制约的，缺一不可。搞清楚这六大要素的辩证关系，对搞好美术有百利而无一害，不可不认真了解、学习、研究、灵活应用。

                                                       完稿于2017年1月5日

作者为：中国美术家协会会员

        河北省美协原理事、学术委员会副主任

        河北省美术理论研究会首任会长

        河北省政府文史研究馆馆员

        河北师范大学美术学院教授、硕士研究生导师、学术带头人